Metto qui di seguito alcuni brevi accenni a spettacoli visti al Festival VIE di ERT Emilia Romagna Teatri, in vari luoghi, Roma Europa festival e Short Theatre, questi ultimi due a Roma
) di Emilia Romagna Teatro Fondazione una
qualità di spettacoli tendenzialmente molto alta, alcuni saranno in tournée, ad
iniziare da Il
del Lacasadargilla, una danza
di parole in cui si compone la nostra disconnessa e iperconnessa vita che è
molto più solitaria e a rischio isolamento di quanto immaginiamo (ne ho scritto
su Repubblica.it,
per chi fosse abbonato) una vera e propria
indagine sullo stato psichico di un’epoca fatta di singolarità che si misura
con la dimensione globale e planetaria, molto oltre la comunità dei dintorni,
di invito al narcisismo, di autorappresentazione digitale come prevalente istanza
di socialità, con il risultato che fuori da quella bolla si aprono baratri, nevrosi,
precipizi, tanto che addirittura i servizi sanitari e sociali degli stati se ne
sono preoccupati, perché la solitudine diventa di massa (a Prato teatro Metastasio
dal 3 al 6 novembre
di Kepler 452, che è molto più
di uno spettacolo, è la presenza viva del mondo del lavoro che si racconta e si
confronta con chi il teatro lo fa e lo vede, a suo modo è un resoconto e una
resa dei conti, in cui domina come domanda non “che fare” di Lenin, ma il “come
state” (come stiamo) davvero noi, che pensiamo di non essere sfruttati.
Costruito come un diario del lavoro (dei teatranti e degli operai) lo mette in
scena, ma ha dalal sua la forza della verità, l’attitudine etica, senza
retorica, lo sguardo curioso, il corpo e le persone degli operai che sono
testimonianza. Non ci sono ancora repliche ma speriamo di si, controllate su
Lo spettacolo di punta è stato certamente “ Imagine” del
regista polacco Krystian Lupa, considerato
un maestro del teatro europeo. Uno spettacolo-evento della durata di sei ore,
malgrado alcune cadute di tono, anche fruibili, anche perché resa dei conti con
sé stesso e con le utopie giovanili. Come per altri autori giovani negli anni
70 nei paesi del socialismo reale, la
malinconia assume forme sdoppiate: dopo la gioventù passata sotto un sistema totalitario
a immaginare la libertà, dopo l’89 quel che si è trovato è stato un
sistema-totale in cui certo la libertà aveva il prezzo del consumo e del modello
capitalista senza più alternative. E’ forse questo che pesa sul personaggio
chiave, alter ego dell’autore, ex guru di un gruppo hippie e sognatore (simile
a quello fondato negli anni 70 dallo stesso Lupa ) che chiama i suoi ex amici ad
una resa dei conti, a un “grande freddo filosofico” e di autocoscienza che
approderà dopo labirintiche discussioni, a una exit-strategy di comunità dell’utopia
tra sesso libero e trip lisergici, il doppio
fondo dell’individualismo. Si può ancora immaginare come nella canzone di
Lennon, cuore messianico e nostalgico dello spettacolo, un mondo senza frontiere, religioni, nazioni e che viva in pace? Nello
spettacolo, ancora in lavorazione durante l’ultimo anno si è necessariamente
innestata la guerra in Ucraina. Così, nel secondo atto gli stessi attori nei
panni di profughi che attraversano un confine, riprendono il discorso da un’altra
prospettiva. Lo spettacolo, va detto si gioca su registri diversi: iper
verbale, visionario, sacrale, con il regista seduto dietro la regia, che
interviene in voce con sue glosse, quasi a sottolineare uno sdoppiamento del
protagonista, reso visibile dai due attori che lo incarnano, specie nella parte
verso la fine, ormai una sorta di deserto evangelico/o scena azzerata, da
finale di ogni partita possibile, in un crescendo visionario e allegorico,
evocando dittature e disastro ambientale. Qua e là, le apparizioni in video di
Lennon e dei Beatles sono delle vere e proprie coltellate emotive, il contrappeso
all’interrogazione incessante, quasi Dostoevskiana, resa però viva e fluida dalla
bravura degli attori, dalle invenzioni pittorico-fotografiche della scena e di
alcune soluzioni tecniche. Per gli spettatori, immersi e dispersi in questo
vasto vuoto che è il XXI secolo, sogno e realtà contano più del bene e del
male. Uno spettacolo teso e tormentato, con alcune discontinuità inevitabili. Come
nei grandi affreschi d’epoca.
Sempre Vie, fascinoso, elegante, con originalità stilista è “K
arnival” di Michela Lucenti e Balletto
Civile. Opera potente, tra danza e teatro, forme di condensazione
poli-artistiche (danza, letteratura, canzone) che portano in una dimensione che
ha sapore di fantastico, dentro un luogo chiuso come un grande albergo, i cui
corpi, soggetti indefinibili, colpe, desideri, pensieri non lineari, che costruiscono
attorno a fallimenti, un “fanta-giallo” in cui il corpo non è il reato. Da
vedere tra il
2 e il 14 dicembre quattro date in scena a Udine, Modena, Torino,
Cesena.
https://www.teatro.it/spettacoli/karnival-michela-lucenti
Vero gioiello di Vie Festival,
“Forma sonata” di Daniele Spanò che è un’opera (teatro-performance-installazione) che definirei perfetta, tesa e senza alcuna sbavatura nel mettere assieme canto
antico, musica elettronica, movimenti sul palco della soprano Arianna Lanci,
visual art digitale, reportage, recupero di arte classica. Dal Giorgione al turismo
di massa a Venezia per l’acqua alta, la catastrofe climatica può essere
fraintesa nel suo aspetto estetizzante, così come i capricci del meteo apparivano
frutto di volontà divine in epoca
classica. Il filo conduttore è il passaggio dai fulmini del cielo alla
natura imbrigliata, sfruttata spettacolarizzata, ma all’orizzonte una minaccia
bel più terribile delle “tempeste” d’arte. (non ci sono date ancora
https://www.danielespano.com/
altro spettacolo atteso,
Halepas della regista greca Argyro Chioti,
che punta ad essere un’opera post-pop contemporanea, una
tragedia musicale dedicata a Yanoulis Halepas,
scultore greco del XIX secolo, figura mistica, segnato dalla malattia mentale,
che ha poi trovato riscatto. Uno spettacolo che tuttavia è deludente, nonostante la scenografia affascinante, gli attori molto bravi, ma nel
complesso forse troppo verboso e al
tempo
stesso poco lineare, le musiche di Jan Van Angelopoulos non mi hanno convinto,
anzi molto più semplicemente non hanno coinvolto, appesantivano ulteriormente
una drammaturgia già complessa.
Da vedere sicuramente invece
Gli anni, di Marco D’Agostin, già strepitoso autore e
interprete dell’assolo “Best regards”, qui solo in veste di autore coreografo,
in un’opera tra Ernaux e Max Pezzali. D’Agostin
lascia il palco a quella che di fatto è la sua coautrice, Marta Ciappina, qui come danzatrice che mescola le altissime doti
performative, alle espressività di un interprete di una trama sottile tutta
basata sui ricordi che la vedono inevitabilmente protagonista (come la danza
può fare autofiction). Meno direttamente narrata, ma qui in un crescendo
sofisticato di accumulazione di segni e figure del corpo, unitamente a flash di
ricordi con evocazione di stralci sonori (che compaiono più nella lontananza
evocativa, ma di fatto si balla sul frusciò del vinile) con Ciappina che lancia
razzi di racconto e semina oggetti-indizi. Tutto poi da questa aleatorietà
tesa, tenuta dalla forza di un neverending del moto,
si ricomporrà in un crescendo in cui la narrazione
si farà non solo più esplicita, commovente e coinvolgente nel dialogo tra io-performer/noi
spettatori, ma espliciterà anche come quelle figure di coreografia hanno inteso
rappresentare un racconto. 5-6 Novembre a Reggio Emilia (ma vi suggerisco anche
Best Regards qui date
https://www.marcodagostin.it/agenda/
A Milano, Al Piccolo Teatro ho visto "
hamlet" di Latella spettacolo
potente, con una nuova traduzione, una regia con essenziali punti di forza e
scenografia ad alto tasso simbolico, protagonista la bravissima Federica
Rosellini, ne ho scritto qui su Huffington (
https://www.huffingtonpost.it/blog/2022/10/13/news/lhamlet_di_latella_piu_lotta_che_dubbio-10392073/
è in scena fino al 31 ottobre al Piccolo, vi consiglio di vederlo se riuscite, se altre date, da controllare sulla pagina delle produzioni, non ce ne sono per ora
https://www.piccoloteatro.org/it/pages/in-tournee
A Roma al Romaeuropa Festival (
https://romaeuropa.net/ ) ho visto invece l'altro atteso spettacolo dell'autunno dei festival,
Grief & Beauty
di Milo Rau. Col suo metodo di scomposizione narrativa e drammaturgica, il pluripremiato e grande regista svizzero prosegue
nella sua strada di realismo, sfidando “l’impossibile” della famosa definizione
di Lacan di fronte all’Origine del mondo. Partendo da un apparente meta-teatralità
(sono gli attori che in scena parlano sia del loro lavoro della loro
esperienza, sia di come questa – con il dolore, i lutti, le separazioni, gli
strappi della vita) di metta in relazione con la vicenda di Johanna, un’anziana
donna che malata cronica ha scelto con lucidità la fine della su vita con l’Eutanasia.
Non solo, Johanna, parte anche essa della comunità di persone che lavorano attorno
al Teatro di Gent di cui Rau è direttore,
ha accettato di farsi riprendere proprio nel
momento del passaggio dalla vita alla
morte, con intorno le persone care.
Parallelamente, nei vari capitoli in cui è diviso lo spettacolo, gli stessi
attori che hanno raccontato di sé, mettevano in scena le ultime ore di un uomo
che si sottopone alla stessa procedura, per poi terminare con un capitolo in cui il tempo mostra le sue risorse non-lineari, una geometria del passato che guarda al futuro commovente. Parte del progetto sulla rappresentabilità
del reale, Grief & Beauty è più intimo, silenzioso, impalpabile, rispetto
ad altri progetti, ma si confronta con il momento più solitario dell’esistenza
umana, nella sfida nuova, ovvero rompere l’argine delle nostre monadi e
condividerlo con fraternità. Non ci sono altre date italiane per ora. Sarà da
Gennaio a Parigi, per chi parla francese e dovesse capitare lì
https://www.ntgent.be/nl/programma?onTour=1&month=january-2023
)
Ho visto
Au Bord, di Claudine Galea, un testo che parte
da una riflessione/ossessione per una foto del 2004 con le
torture e gli abusi subiti dai prigionieri
iracheni nel carcere di Abu Ghraib. Una in particolare la foto della soldatessa
che tiene al guinzaglio uno dei prigionieri. L’intenzione è sfidare l’indignazione
per confessare quanto quella immagine possa in realtà essere molto più
attraente di quel che crediamo. Solo che il risultato è un succedersi piuttosto
monotono e scontato di pensieri sul fascino del carnefice, sul fascino che può
esercitare su noi il male o anche la seduzione di un/una carnefice. Una riflessione
che in Francia si fa dal surrealismo, da Artaud, da Bataille in poi fino a Baudrillard,
il testo non dà nulla di nuovo – certo magari può parlare a pubblici che non
hanno attraversato quegli autori. La regia di Valentino Villa alla fine
preferisce una strada del Non-vedere (nel paradosso su uno spettacolo che
vorrebbe anche toccare la criticità della spettacolarizzazione mediatica del
male, del terrore) finendo per rifugiarsi solo in belle scene e mutazioni di
luci, anche se un po' statiche, così come la scelta, anche motivata bene, alla sottrazione a "non-essere l’autrice" in una forma quasi estraniante, porta un' attrice con un bel percorso, molto premiata
e brava come Monica Piseddu ad un flusso recitativo che pesa per astrazione, e una certa monotonia.
Sempre a Romaeuropa, spettacolo
OK BOOMER di Babilonia Teatri,
su un
testo di un autore che ha vinto il “Premio Tondelli 2021”, Nicolò Sordo. Tutto ruota
attorno all’ossessione giovanile, adolescenziale, per le scarpe sneakers costose della Nike,
diventate simbolo oltre il brand. Protagonista un ragazzo, figlio di un padre
separato, indigente, comunista e fieramente anticonsumista, a cui però il
figlio riesce a strappare i 150 euro per le Jordan Air. Quando andrà il sabato
pomeriggio al centro commerciale deciderà di rubarle anziché comprarle (perché
così fanno tutti). Quello che emergerà, oltre questo conflitto padre-figlio sulle
scarpe costose, con un po’ di salti
narrativi, qualche grottesca o comica deformazione, ma molto divertente, è una vicenda
che si rivela a sorpresa, uno sfruttamento che sta non solo “dietro” la
produzione delle scarpe, lontano da noi,
ma anche vicino, secondo l’invenzione di Sordo, perché si scopre per caso che
nel sottosuolo del centro commerciale ci
sono immigrati rinchiusi e sfruttati. La
messa inscena dopo un primo monologo affidato allo stesso Nicolò Sordo come
attore, vede tutti i personaggi – il
figlio, il padre, Veronica, i commessi, la vigilanza - impersonati in un
dialogare fitto tra Sordo e l’altro attore in scena Filippo Quezel, col risultato che la bravura
dei due attori tiene, anche laddove il testo vira al già noto e qualche volta
in ovvio. Obiettivo finale: il nostro feticismo dei beni, la vera roccaforte
del Capitalismo del XXI secolo, che impedisce ogni salvezza e alternativa, come
viene fuori alla fine dello spettacolo in cui si ride molto, ma con un buon
feedback di retropensieri e paradossi che ci interrogano. 
